revizuire. Sirja-Lisa Ilma, câștigătoare a premiului Christian Rawa, închide tăcerea monahală ca artă

În aprilie anul acesta, în galeria de la etajul doi al Bibliotecii Academice a Universității din Tallin a fost deschisă o mică expoziție personală a lui Serja-Lisa Ilma intitulată „Camera cu tapet roz”. Pentru a spune adevărul, el nu a adăugat prea multe la seria anterioară de expoziții personale a artistului, care în ultimii cinci ani au devenit coloana vertebrală a tezei sale de doctorat care urmează să fie susținută la Academia Estonă de Arte (EA) (intitulată „The Paradoxul vidului Practica desenului, din (expoziție) spațiu (pentru a schimba situația din jur). În schimb, a luat mai puțin și a diminuat mai mult posibilitățile de a pune cap la cap o poveste din imaginile sale care ar fi plăcut de spus.

Ilma aparține tradiției minimalismului conceptual în arta estonă, unde artiști precum Raul Meli, Marie Kaurisma, Moll Parys, Nimi Kolma, Krista Mulder, Denis Farkas și alții sunt preocupați în primul rând de capacitatea unei opere de artă de a evoca spațiul spațial. Iluzii, stări de spirit liniștite, liniște abstractă – adică tot ceea ce nu există poate fi transpus cu ușurință în rânduri pe hârtie.

*

Din declarația de deschidere a artistului, scriitorul aude că alegerile sale artistice actuale își au rădăcinile în studiile sale artistice la EKA în ultimul deceniu al secolului trecut, și mai precis în „logica de lucru a picturii memoriale”. Are o anumită rigiditate în distincția dintre proiectare și implementare. Odată ce designul este gata și lucrarea este livrată, este deja prea târziu pentru a schimba ceva rapid sau pentru a căuta o soluție mai interesantă. Pe o scară masivă, ar fi foarte costisitor să plătiți taxe școlare pentru învățarea prin practică, adică practica bazată pe activități: transferul materialului unei idei originale este deja costisitor, iar erorile și reluarea sunt și mai scumpe.

De aceea, trebuie doar să rămâi la planul inițial și să o faci ca un meșter – să-ți faci propriile mâini, să-ți odihnești capul și să te gândești la propriile idei. Planul, la rândul său, trebuie să fie cât mai detaliat posibil, cuprinzător, futurist și matur conceptual pentru a exclude în mod proactiv abaterea de la calea aleasă. Elma a reușit să realizeze acest lucru, deoarece soliditatea vizuală, repetarea modelului și rutina mecanică sunt încă prezente în picturile ei. Rămâne: constituie o idee răspândită în opera actuală a artistului și poate fi surprinsă de departe ca o panoramă, care este una dintre caracteristicile artei monumentale.

Mai este însă ceva: la vernisaj, artistul a spus că trebuie să-i mulțumească și primului profesor de desen al Elmei, Ants Vidalippa (1921-2012), care a introdus tinerilor studenți teoria culorii a lui Johann Wolfgang Goethe (1749-1832). Că un corp roșu își poate arunca strălucirea fierbinte pe un fundal verde, acesta din urmă poate adăuga verde la fața sângerândă a celui dintâi și o a treia culoare se poate naște și din amestecare. Că culorile sunt întotdeauna „rupte”, că ochiul nu poate distinge între culorile primare pure, că culoarea se mișcă mereu de la o nuanță la alta, că lumina din jurul picturii se schimbă mereu și că pictura în sine se estompează mereu într-o policromie . Diferite puncte de vedere și perspective, zgomotul dezacordurilor.

Asta era ceea ce se cerea. Picturile minimaliste ale Sirja-Liisei Eelma reprezintă o alegere esențială într-o lume plină de zgomot, zgomot vizual, vorbărie nesfârșită, intrigi narative, flux de știri de neoprit, lupta constantă de a capta atenția publicului, vorbind unul peste altul și pictându-și propria imagine pe un zilnic. Bază; Afișându-l ca o marfă liberă în bordelul economiei de piață. Această alegere de bază este să te îndepărtezi de extazul poveștilor, dintr-o lume care își iubește vocea și să intri în țara tăcerii, a golului, a plictiselii și a repetiției. Aceasta înseamnă să renunțăm la tot ceea ce ne-ar permite să-l definim ca artist de baricadă, ca un canar care ciripește despre probleme sociale stringente, ca un avangardist care străbate o potecă printr-un mozaic de blocaje sociale – nu, nu există nimic mai eroic decât ceea ce el face. Totuși, aici parcă ne apropiem de tăcerea monahală, adică de un jurământ de tăcere. Și în opera sa există și contemplația, interpretarea picturii ca o serie de compromisuri, ca trecere prin strălucirea zilelor strălucitoare, luminii și reflexii, fulgerări și ecouri, modele, arabescuri, tonuri subtile și jocuri de umbrire ca abia. -acolo pictură. O șoaptă audibilă.

*

Sunt tablouri care nu atrag atenția privitorului, de fapt nu înfățișează nimic, cu atât mai puțin lumea proprie a privitorului, nu o reflectă, nu își încrucișează mâinile cerșitoare mult timp în așteptarea privirii milostive a privitorului. Da, diferența dintre aceste tablouri și elementele de design interior este fragilă, e posibil să treci pe lângă ele ca tapet. Fără să întrebe nimic despre starea de spirit momentană a pietonului, aceste tablouri impun totuși prezența lor decorativă privitorului, forțându-l să se comporte „ca într-o galerie” și provocând un sentiment jucăuș de vinovăție – ce înseamnă totul?

Aceste tablouri (singurele din această eră a creatorilor de conținut și a creatorilor de tendințe?) abandonează conținutul și se apropie de forma lor, pentru a proteja împotriva interpretărilor și semnificațiilor asociate acestora. Da, nu înseamnă nimic, nu oferă privitorului sentimentul de securitate care vine cu sensul și nu-i servește în niciun fel privitorului. Aceste picturi, pentru a împrumuta cuvinte de la Charles Baudelaire (1821-1867), au abandonat încercarea lor de a fi o „carte” care spune o poveste. Acestea sunt picturile care constau numai din linie și culoare pe care Baudelaire le-a subliniat (și a prezis din neatenție nașterea abstracționismului o jumătate de secol mai târziu).

Întoarcerea anterioară către calea radicală a minimalismului și abstracției a devenit astăzi o continuare mai filozofică. Dacă în urmă cu douăzeci de ani încă mai căuta un echilibru între arta figurativă și cea abstractă, atunci doisprezece ani mai târziu se naște sub mâna lui un miraj al apusurilor înflorite… Sau sunt lanțuri muntoase albastre în depărtare… sau flori de lotus care se răspândesc. ca un fan, nu mai inteleg. Adio de la realitate a avut deja loc și tot ceea ce rămâne din realitate sunt contururi uriașe de ceață violet și roz, ajutate de picturi lungi, rapide, mai ales monocrome, care se înfățișează doar pe ei înșiși.

*

Timpul va spune dacă din această profunzime va apărea o teorie a dimensiunii tezei de doctorat, dar, fără îndoială, tema sa dominantă ar putea fi dematerializarea desenului, plecarea lui din coliba obiectelor concrete și picturale și intrarea sa în imaginare spațiale infinite. . . Cu ajutorul experților în filozofiile golului din Orientul Îndepărtat și al mediatorilor urii lumii catolice, ceva de asceză a ajuns și în picturile Elmei. Dacă nimic altceva, este cu siguranță o băutură care va potoli setea privitorului de sens și dorul după sensul vieții. La urma urmei, privitorul se poate împăca cu ideea morții sale, dar cu siguranță nu cu ideea lipsei de sens a morții sale.

Oscar Wilde (1854-1900), simțind apropierea morții pe patul de moarte, în acel moment fragil, s-a întors spre tapetul cu flori de șarpe de pe peretele camerei sale retrase și, potrivit legendei, a grăunt: „Ei bine, unul dintre noi. Trebuie sa plec acum.” Fie că este o poveste adevărată sau nu, dorința umană de a da sens morții, de a face din ea un gest estetic, este destul de evidentă în această parte a tradiției. Picturile Sirjei-Liisei Eelma sunt și ele „moarte pentru această lume”, trăind în cel mai îndepărtat colț al mănăstirii după regulile formale pe care le-a stabilit.